EL CRONISTA DE CHILANGOLANDIA

Título: LA FAMILIA BURRÓN
Autor: GABRIEL VARGAS
Editorial: PORRÚA
Páginas: 408
PVP: 130 pesos

Como suele suceder en estos tiempos de globalización, los objetos culturales considerados minoritarios, y entiéndase con ello una infinita galaxia de discursos regionales y propuestas que no participan de la inelasticidad de lo dominante, esto es, que tienen un sabor distinto, permanecen mayormente ocultos por la imparable y severa poda del mercado, siempre empeñado en la confluencia y absorción de las miradas. Con todo, son precisamente los medios globales los que nos permiten el acceso a las realidades lejanas, vean si no: escribo desde el otro lado del Atlántico de uno de los hitos de la historieta mexicana que, a Dios gracias, puede adquirise hoy, vía internet, en cualquier parte del mundo. Sí, mucho se ha escrito sobre esta ambivalencia. ¿Por qué comenzar citándola? Quién sabe, debe ser que estoy cansado, aburrido de tanta y tanta gruesa basura. Discúlpenme ustedes.
El caso es que se ha muerto Gabriel Vargas, que para el ciento de los nacidos en la piel de toro suena a intérprete de rancheras, pero no. Vargas se cuenta entre los cronistas mayores de Ciudad de México, chilangolandia, el DF, defecal o defectuoso, como dicen aquí en Jalisco, esa megaurbe pasmosa y electrizante, poderosa y atrayente como ninguna otra polis del planeta. El sujeto en cuestión nació en provincias, en Tulacingo, en 1915, y fue uno de la turba que, contraveniendo los propósitos de la Revolución, se encontró muy pronto emigrado en la capital de la república. Millón y medio habitaba los alrededores del Zócalo a principios de la década de 1940; veinti-¿cuántos? millones conforman su enjambre actual. Esta es la locura de la ciudad-nación.
Pero ¿quién es, quién fue Gabriel Vargas, muerto el pasado 25 de mayo de complicaciones cardiovasculares, poco antes de alcanzar su propio siglo? Pregúntenle a sus estudiosos: “El Cervantes de la historieta mexicana”, “un caricaturista chipocludo”, no, la palabra no está en el DRAE, pero eso no implica que no signifique. Pregúntenle, por ejemplo a Carlos Monsiváis: “Al irse extinguiendo la dimensión social de la Revolución Mexicana y fortalecerse el capitalismo salvaje, Vargas es uno de los forjadores del espíritu que, a distancia crítica, observa las celebraciones de la corrupción, el ascenso de las clases medias y la modernidad selectiva”.
Yo, por mi parte, les diré que Vargas es el artífice de La familia Burrón, un largo relato de 1616 capítulos comenzado a dibujarse en 1948 y terminado, que no acabado, el 26 de agosto de 2009. Si busco un equivalente se me viene a la cabeza la escuela Bruguera, el Carpanta de Escobar, pero a qué engañarnos, no hay símil que valga la historieta española, por lo largo, por lo coral, por lo consciente. Parece y es un tebeo para niños, pero no es menos la crónica social, la reflexión en voz común y la composición de un imaginario popular. Lo he dicho, de la ciudad de ciudades, de uno de los logros y las bestias del ser humano. Esa que tanto asusta de Tijuana para arriba.

Javier Fernández

DEMASIADAS RESPUESTAS

Y bueno, se acabó Lost. Qué les voy a contar que ustedes no sepan. Se terminó uno de los seriales televisivos de referencia de la industria del entretenimiento. Sí, sí, lo echaremos de menos, qué duda cabe, nos ha tenido pegados al aparato durante seis temporadas, absortos ante el alarde narrativo, pendientes de mil teorías acerca del significado de los símbolos y misterios de la dichosa isla, expectantes por la suerte de un puñado de personajes a los que hemos aprendido a amar, y a odiar, episodio tras episodio.
Y terminó el asunto de aquella manera, fiel al estilo de la más pura telenovela, con besos y abrazos y encuentros y reencuentros, y hasta en una iglesia, como La dama de rosa, pero sin boda, en el ejemplo más artero de la autocomplacencia del que se sabe observado por millones de fanáticos a los que hay que entregar su ración de pastel. Se tiene la sensación de que llegados al final, la serie dejó de mirar hacia delante y se miró a sí misma el ombligo, no sé si me explico, como le sucedió al señor Lucas cuando tuvo a bien cargarse de un plumazo todo lo que de divertido había en La guerra de las galaxias y se inventó el otro engendro, la precuela, lectura deformada y deformante de la primera trilogía, explicativa por que sí. Aunque se podría argumentar que no, que puestos a mirar al frente, Lost ha superado cualquier precedente. Y es que alguien tuvo la idea definitiva: no bastaba con contar la conclusión de las peripecias, había que iluminar al personal. Puestos a dar respuestas, qué mejor que contestar La Pregunta: ¿hay vida después de la muerte? Ya te digo si la hay: la luz es buena, la oscuridad es mala; levantemos el corazón, lo tenemos levantado hacia..., etcétera. Claro, que aún no hemos cruzado el umbral, a lo mejor va a resultar que estas son las mentes preclaras de nuestra era y cuando esperemos sentados en la banca el ingreso a lo que sigue nos encontremos diciéndole al de al lado: anda, como en Lost. Fundido en blanco. Entretanto, déjenme mi escepticismo. Y en todo caso, qué remedio, admito, tolero al que se enmpeña en convencerme de su propia y dogmática creencia, de aquello de lo que se está realmente convencido, pero no este gazpacho de espiritualidad de supermercado, tan gringa, tan del punto medio, tan de la nueva era. Una espiritualidad del entretenimiento.
No me digan que no se dieron cuenta de que la cosa tenía fácil arreglo: final feliz en la realidad alternativa, tragedia en la realidad real, quizá el hundimiento de la isla y con él sus misterios. Desmond, la constante, posibilitando el recuerdo de otra vida en la conciencia de los que aterrizaron en LAX tras la fractura creada por la bomba. Sí y no, todo en uno. Aunque, claro, asumir un final hubiese sido asumir que Lost es sólo una historia entre tantas y había que ponerle mayúsculas. Responderlo todo para no responder nada. Y digo yo, ¿cuál era la pregunta?

Javier Fernández

LA MORADA DEL TRUENO

Título: El Capitán Trueno: El Último Combate
Fecha de edición: marzo de 2010

Autores: Ricard Ferrándiz y Joan Boix.

Formato: Libro cartoné, 128 páginas a color

PVP: 15€

Este breve comentario es un tremendo SPOILER de la nueva aventura de EL CAPITAN TRUENO:EL ÚLTIMO COMBATE. Me ha llamado la atención, centrándome exclusivamente en el desenlace de la historia, como el protagonista se confirma como el equivalente a una encarnación patria de mitos con reminiscencias artúricas, en este caso a través de su propia muerte.
Ya en sus inicios, Trueno compartía semejanzas evidentes con El Príncipe Valiente y en sus aventuras iniciales algún grial tenía una presencia destacada en las cruzadas de las que participaba, así que la senda que toma en su último viaje se me antoja coherente y más que correcta.
Mortalmente herido tras un combate en Montsegur, el buen capitán muere en los brazos de Esclarmonda de Foix, guardiana del Grial de la mitología occitana (aunque él en su agonía la toma por Sigrid, fallecida tiempo atrás), y su fiel compañero Goliat transporta en brazos su rejuvenecido cadáver para depositarlo en el Lago de los Druidas (al parecer un lugar real, también conocido como la morada del trueno), dentro de un círculo protector, por indicación de esta dama mágica, donde las aguas congeladas se cierran para guardar el cuerpo del héroe, posiblemente hasta que su destino lo reclame para asistir a su tierra en el momento de mayor necesidad, tal y como el Rey Arturo espera en Avalon o el Capitán América duerme en el ártico tras su caída en los estertores de la segunda guerra mundial.
Me gustaría que la resurrección del Capitán Trueno fuera acompañada de una renovación total en sus argumentos e imágenes que lo transportaran con éxito y merecida dignidad al siglo XXI. De momento sólo es un sueño, y el capitán duerme el sueño de los justos y las leyendas.

J.A.Santiago

INCLUSO LOS DIOSES DEBEN MORIR

Título: ROUGH WORK
Autor: ARNIE & CATHY FENNER
Editorial: UNDERWOOD BOOKS SPECTRUM FANTASTIC ART
Páginas: 128
PVP: 19,95 $

Pues sí, ha muerto Frazetta. El diez de mayo. Estaba viejito: 82 años, tenía delicada la salud y había andado recientemente en feas lidias familiares por causa de su legado artístico. O dinero, que al fin viene a ser lo mismo. Y no hace tanto, apenas seis meses, que uno de sus óleos, el impreso en la cubierta de la clásica edición de Lancer Books de Conan the Conqueror, cambió de manos por la cifra récord de un millón de dólares; récord para el artista, se entiende, que en esto del arte el techo anda ciento y pico veces por encima, y subiendo. Con todo, convendrán que puesto en número, 1.000.000, se ve de lo más respetable. No olviden que son dólares. Por ahí he leído que lo mató un derrame cerebral, requiescat in pace.
Y prefiero no ponerme aquí a contarles vida y milagros, que de eso hay mucho en internet. Si les parece lo recordamos un ratito y luego a otra cosa. Se dice que con Frank Frazetta se nos va un mito, uno de los ilustradores más importantes de la segunda mitad del siglo XX, el creador de una manera entera de ilustrar. De ilustrar fantasía, claro está. Y bueno, no seré yo el que lo discuta: sus motivos, colores, formas, intenciones los ha imitado todo quisque, y ¿cuándo con la impactante gracia del original? Los Boris, Brom, Jusko, Norem y compañía le deben medio sueldo al maestro y le deberían el otro medio si se hubiesen aprendido del todo la lección. A Jeff Jones no lo incluyo en la lista porque este tiene un nombre propio más propio, es más raro. Personalmente lo prefiero al bueno de Frank, pero no es de eso de lo que estamos hablando.
A lo mejor les parece que uso un tono impreciso, ni frío ni encendido, y no es que no vaya a echar de menos a Frazetta, ni que no lo haya yo querido, especialmente hace años, cuando me las relamía cada vez que me topaba con un coffe table book suyo. Aparte de lo dicho, me vale, y mucho, que su Conan sea el Conan Conan, y también que las tintas de su blanco y negro posean esa elegancia excepcional, igualmente imitada, lo que pasa es que, casualidades de la vida, me he pasado toda la semana leyendo un volumen sobre otro ilustrador, J. Allen St. John, que me tiene loco y del que estaba decidido a hablarles hoy, y me da un poco de rabia haber tenido que variar el tema. Claro que más rabia me da que se haya muerto Frazetta. Ya lo dijo, ay, aquella figura alta y canosa con que se topó Conan en el número tres de The Barbarian, allá por 1971: “Hasta los dioses deben morir”.
Por cierto, el libro que supuestamente se reseña aquí es el último que adquirí de Frazetta, hará cosa de un año o año y medio. Es un sketchbook, una selección de borradores y bocetos de ese dibujante del que siempre se reconoció el detallismo y pulcritud de sus acabados, una muestra del pulso humano que subyace a la tantas y tantas veces denominada perfección. Y me gusta. Me gusta que no todo en Frazetta sea mito. Le da otro aire.

Javier Fernández

CUANDO LOS MUERTOS REGRESAN

Título: BENKEI IN NEW YORK
Autor: JINPACHI MORI y JIRO TANIGUCHI
Editorial: VIZ MEDIA
Páginas: 224
PVP: 9,95 $

Editada en Japón durante la primera mitad de la década de 1990, Benkei in New York es una memorable serie de género negro compuesta de siete capítulos autoconclusivos escritos con buen pulso por Jinpachi Mori (1958) y dibujados por el siempre sobresaliente Jiro Taniguchi (1947), uno de los nombres propios del manga contemporáneo –que es tanto como decir uno de los nombres propios del cómic mundial–. En tanto esperamos la edición en español, comento aquí la estadounidense, de 2001, que es la única que conozco.
El protagonista, Benkei, un japonés afincado en el Nueva York actual, alto y fuerte como Saito Musashibo Benkei, el monje guerrero japonés del siglo XII del que toma el nombre, se gana la vida ejecutando vendettas o fabricando las circunstancias para que otros las llevan a cabo y pintando falsificaciones de célebres obras de arte, mayormente para la mafia. Con el héroe histórico comparte también una cierta semejanza en el atuendo: si aquel era representado a veces con una capucha negra, el moderno Benkei gusta de colocarse capa y sombrero oscuros cuando la ocasión lo requiere.
El personaje de Mori tiene algo de hammettiano, sépase que no acepta un trabajo si la persona a la que se ha de infligir el castigo no es merecedora del mismo, que es algo así como un eco de las estrictas normas profesionales de El agente de la Continental. Como los detectives de Hammett, Benkei realiza sus encargos meticulosa y desapasionadamente, sin permitirse goces extraordinarios, y al igual que ellos, el sicario japonés trabaja para reajustar la realidad, para recomponerla, pues para que la venganza tenga efecto la víctima debe comprender por qué se le está ajusticiando, debe reconocer que él mismo fue verdugo en alguna ocasión antes de pagar por ello, y esta labor equivale a traer lo soterrado a la superficie, a redefinir la memoria. Una ocupación que, así vista, tiene correspondencia con la otra actividad de Benkei: producir cuadros falsos, pero indistiguibles de los auténticos.
Vean si no. Refugiado de la lluvia en el portal de un edificio junto a un hombre maduro que se lamenta del intenso chaparrón, Benkei comenta: “Yo pedí esta lluvia y estos truenos”. El hombre ignora que el encuentro con Benkei no es casual y, más tarde, lo acompañará alegremente a un local recóndito y desierto, propiedad del japonés. Allí, Benkei lo invita a comer unas apetitosas tripas guisadas y a saborear un delicioso scotch. Es la puesta en escena de la venganza. De pronto, la puerta del local se abre y entra un muchacho. Benkei clava dos puñales en la pared y comienza una letanía similar a esta: Los muertos pueden regresar... y hacernos temer por nuestras vidas. ¿Recuerdas a aquella mujer que mataste en Escocia, aquel día de tormenta? ¿No comiste tripas aquel día, no bebiste este mismo scotch? Debes saber que lo que has comido hoy es el corazón y el hígado de tu propio hijo, y que este que ves aquí es, a su vez, el hijo de aquella antigua víctima tuya. Ahora estáis igualados. Os dejo, tenéis asuntos pendientes.

Javier Fernández

PATEACULOS

Título: Kick-ass

Edición original: Kick-Ass Núms. 1 al 8 USA

Fecha de edición: abril de 2010Autores: Mark Millar, John Romita Jr., Tom Palmer, Dan WhiteFormato: Libro a color en rústica, 224 págs.
PVP: 19.95€

KICK-ASS es un cómic ligero que se lee de un tirón, con un dibujo fluido y narrativo que favorece un feroz avance de las páginas viñeta a viñeta, pero que contiene unas considerables cargas de profundidad, quizás no originales, entre tanto taco cool y violencia desenfrenada.
Para mí la frase que define el espíritu del cómic podría ser la que reza así:
"...no hace falta un trauma para que quieras llevar una máscara....sólo la combinación perfecta de soledad y desesperación.."
Aún así. y pese a la acertada presencia de youtube y las redes sociales en el retrato de este extraño comienzo de siglo, y aunque proporcione lo que el protagonista definiría como un “orgasmo friki“, encontré algo más de chicha en la primera lectura de una obra anterior del mismo escritor, Mark Millar, titulada SE BUSCA (WANTED), con evidentes coincidencias y marcadas diferencias. Entre sus semejanzas, la voz narradora en primera persona del personaje masculino central, siempre un infeliz que tomará las riendas de su vida llevándola hasta el extremo más amoral de un delirio tan real como disparatado, siempre buscando el impacto interesado en el lector, cómo se puede apreciar en sendas presentaciones de SE BUSCA: "Este es mi mejor amigo tirándose a mi novia encima de una mesa de IKEA que pillé muy barata" y KICK-ASS: "..yo soy el tío con los electrodos pegados a los testículos.."
Pero en SE BUSCA el desarrollo y posterior desenlace resulta más provocador, original y subversivo, con un tono desafiante e irreverente más propio de EL CLUB DE LA LUCHA, que el sencillamente cómico, esperpéntico y festivamente gore de KICK-ASS, que rezuma una tristeza por los personajes que echa en falta un mayor aprovechamiento. Intuyo, que si bien la versión fílmica de SE BUSCA parece carecer de su libertad total de planteamientos felizmente incorrectos, la de KICK-ASS tal vez nos depare la compasión empática en la mirada a los protagonistas que el cómic obvia y yo agradecería. Tal vez.

J.A.Santiago

ESPECIAL 15 AÑOS KILLER

ESPECIAL 15 ANIVERSARIO KILLER TOONS 2.0 Nº 2
19 autores nacionales e internacionales
132 páginas BN
Encuadernación cosida.
Cubierta impresa en 4+4 sobre cartulina estucada mate glaxofonada con efecto UVI.
21 x 29,7cm
ISBN: 978-84-613-8603-1
PVP: 8,95 €

El cómic más cafre y canalla de los 90 vuelve de nuevo para el gozo y disfrute de los paladares más exigentes. Nuestros canallas favoritos (Zonum, KillerWhite, Moi, Raúlo, Tito Alberto, Miguel Ángel Cáceres, Rafa Infantes y El Juán Pérez) vuelven a hacer de las suyas y nos traen carne fresca recién cortada a golpe de hacha, humor negro, sexo, violencia y mala uva... Además de las fechorias de nuestros sinvergüenzas habituales, nuevos malhechores (entre los que encontramos a Andrés Leiva, Miguel Ángel Ruíz, Farruqo,El Bute, Manuel Amaro, Rodrigo del Lago, Cristina Martos, Utopía Color, Raúl Ruano y Jesús Aguilar) se han unido a la banda, para perpetrar los más oscuros crímenes contra el intelecto y el buen gusto ... Espero que degustéis esta ración extra lista para saciar los gaznates mas libidinosos, obscenos y profundos.
La banda original del Killer, Zonum, KillerWhite, Raúlo, Tito Alberto, Miguel Ángel Cáceres, Rafa Infantes, El Juan Pérez y Moi vuelven para hurgar en tus pesadillas más escabrosas con este número especial de 132 páginas del cómic más cafre que te puedas echar a la cara. Con ocasión del 15 aniversario de la aparición del primer número de la primera época de KILLER TOONS han reunido un selecto grupo de invitados de lujo del mundo del cómic y la literatura que han realizado sus atroces colaboraciones en la línea cafre de la revista.
Nuestros colaboradores de impacto son:
El Bute pintor e ilustrador, es un autor bien conocido por sus historietas de temática erótica de alto voltaje, dibujante del Batracio Amarillo y creador para este Killer de “las hermanas siamesas Solís”.
Pepe Farruqo, el gran dibujante y caricaturista de El Jueves y El Economista también se deja caer por estas páginas con su “Limosna para el ahorcado”
Andrés G. Leiva es conocido por la publicación en Francia de su novela gráfica “Juana de Arco” y su reciente cómic vampírico “Evelyn”.
Miguel Ángel Ruíz es un nuevo gran talento que ya trabaja para las más importantes editoriales de Estados Unidos (“Scorpius”) y que dará que hablar con su “Cowboy urbano”, con guión de Jesús Aguilar.
“Utopía Color” bajo este nombre se esconden los hermanos Javier y Nino Gamboa, artistas multidisciplinares, pintores, escultores y autores de murales, grabados y cualquier obra de Arte con mayúsculas.
Cristina Martos, autora multipremiada donde las haya es uno de los nombres que más suenan en este potente KILLER.
Manuel Amaro, conocido articulista y escritor de novelas (“Fobos” y “León González, santo”) que nos deleita con la asfixiante crónica futurista “Tótogu”
Raúl Ruano, conocido publicista y creador de carteles de eventos musicales de nuestra ciudad, también impacta con su “Killer Monster”
Rodrigo del Lago conocido escritor y autor del libro “Chanquete Resurrection” nos deleita con un relato corto.
Zombis asesinos, regímenes autoritarios distópicos, ciborgs psicópatas, sadomasoquismo, pollos bipolares, sexo inverosímil, casos policiales absurdos, sexo salvaje... todo lo extravagantemente bestia tiene cabida en el nuevo KILLER TOONS que vuelve para recuperar el concepto de revista de cómic underground y remover conciencias y estómagos a partes iguales.
KILLER TOONS 2.0: ICONO DEL CÓMIC CANALLA
Hambrienta como un zombi recién salido de su tumba, vuelve a la vida KILLER TOONS, la revista de cómics que estuvo dando caña en los 90 con su línea cafre de humor negro, gore y canalla. De la mano del equipo original de autores (“los 6 siniestros”) formado por Zonum, Miguel Ángel Cáceres, Raúlo, el Juan Pérez, Rafa Infantes y Moi llega una mega-revista con dos portadas, efecto UVI y 132 páginas de comics salvajes con toneladas de mala leche, cachondeo macabro y demenciales personajes como el cíborg psicópata SIMEÓN ÓRDAGO, el místico asesino DRAGÓN ROJO, el TRIO CALAVERAS, CHAQUIRA JULAI el pollito cani, LA NIÑA DE GRAJOY o el detective CHARLY CHAPARRO.

HISTORIA DEL CÓMIC CORDOBÉS MÁS CAFRE
Bajo el sello de EDICIONES CANALLAS, el cómic “KILLER TOONS” vió la luz por primera vez en 1995 con un contundente número 1 que triunfó en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona del mismo año recolectando magníficas críticas en diferentes medios de comunicación nacional y revistas especializadas. La característica principal del cómic fue el humor negro, la ultraviolencia y el gore, deudores del cómic Underground, cine de terror de serie B y del punk-rock, presentaron emblemáticos personajes de tinte surrealista, como LA ABUELITA ANTROPÓFAGA, EL TRIO CALAVERAS, RICARDO EL LEPROSO, JETO o SIMEÓN ÓRDAGO.
A este número, dado el éxito de público y crítica, le sucedieron otros 6, manteniendo el ritmo y la calidad de personajes e historias, reclutando una legión de killeradictos a la dosis anual de su cómic favorito, siendo denominado por medios especializados como “cómic de culto”. El número 7 fue publicado en el año 2000 y desde entonces, y por diferentes motivos, el proyecto durmió en el limbo como si de un espectro se tratara.
La gran resurrección se produjo el 20 de mayo del año 2009 con la aparición de un nuevo número 1 bajo el título de portada de “KILLER TOONS versión 2.0” y editado por el sello original de Ediciones Canallas e impreso de manera espectacular con doble portada y efecto UVI en, la también cordobesa, Impresión d Vértigo.

CURRÍCULUM DE LOS AUTORES
Los 6 autores que componen Ediciones Canallas desde su origen (Sinister Six) han trabajado juntos desde las primeras y añoradas Jornadas del Cómic de Córdoba allá por los años 80 (el segundo Salón del cómic en importancia tras el de Barcelona). Tras multitud de exposiciones y publicaciones, formaron parte de diferentes colectivos comiqueros, como los Tebeonautas, realizando los Encuentros en torno al Cómic y la Página de Cómic más grande de la historia, en la Plaza de la Corredera en el año 1993, consiguiendo el Récord Guinness. Se han sucedido desde entonces multitud de actos, exposiciones y publicaciones de revistas a nivel nacional e internacional. Estos son sus poderes:
Miguel Ángel Cáceres: Licenciado en Bellas Artes, ha trabajado como diseñador gráfico e ilustrador, co-editando numerosas revistas y fanzines (“Comikaze”, “Tris Tras Princesa”). Sus obras han sido publicadas en España por numerosas editoriales: Planeta DeAgostini (“Espada Salvaje de Conan”, “relatos salvajes” y “ Conan el Bárbaro”), P.E.Crom (“Bram el yacoi”), DeTebeos Ediciones (“Enano marciano”, “Freak World”, Oxford University Press (“Mikado”). También en EE.UU. ha publicado en Findlay Comics Press, Variance y CounterActive Comics. Creador del ciborg psicópata SIMEÓN ÓRDAGO para “Killer Toons”, entre sus trabajos más recientes se encuentra la adaptación al cómic de la película “Freedom withtin the heart” para Maron Pictures Studios, protagonizada por Leonardo Dicaprio.
Raúlo: Licenciado en Bellas Artes, ha trabajado para infinidad de Editoriales españolas y extranjeras, como Megamultimedia (“Wetcomix”, “Elizabeth Bathory”, “Lolitas”), Ariadna Editorial (“Dos Veces Breve”), NBM (“Sizzle magazine”), Eros Comix (“Morbid tales”), Librepress (“Playhouse cómics”), D.Tebeos, Zanzibar (“Cthulhu”), Dolmen (“Eros comix”) o Avatar (“Belladona”, “2001 maniacs” o “Crecy” con guiones de Warren Ellis. Ha publicado 3 álbumes recopilatorios (“Elizabeth Bathory”, “Aguas calientes” y “Cuentos mórbidos”). Ilustrador de juegos de rol y portadas de libros, entre sus múltiples premios, destaca el “Premio Córdoba Joven 2008” en la modalidad de Arte otorgado por el Instituto Andaluz de la Juventud.
ZONUM: (seudónimo de Fco. Muñoz del Castillo) ha publicado en numerosos fanzines y revistas desde los años 80, destacando “Cero” (con AK-47 Kalashnikov), “CADAVER”, “Alancha”, “Chismoso la Posá”, “Birux”, “Califa”, “Fanzipote”, “Actúa”, “Voz en Off”. Impartió clases en el Taller de Cómics del Ayuntamiento de Córdoba. Ilustrador de humor gráfico para el Diario Córdoba entre los años 1999-2001. Miembro fundador de KILLER TOONS y creador de la Abuelita antropófaga y el TRIO CALAVERAS. Ilustrador de libros y revistas de Anatomía, Medicina y Técnicas Quirúrgicas, compagina su profesión de Médico ORL con el dibujo. En este número 1 nos presenta al DRAGÓN ROJO y, junto con su mujer KILLERWHITE, ha realizado para la exposición del Sojo cuadros friki-killer en 3 dimensiones. En el Número 2 nos presenta el ORIGEN del TRÍO CALAVERAS
Rafa Infantes: Dibujante y escritor, ha participado activamente en multitud de eventos y publicaciones relacionados con el cómic (“Voz en Off”, “Androito Ke-Ke”, “Fanzipote”, “Batracio Amarillo”, “Malapata”, “Dos Veces Breve”, es autor de las monografías “Teatro Negro” y “Minimal”. Ha colaborado durante varios años como humorista gráfico en periódicos como “La Información”, “Diario Córdoba” y “La Voz de Córdoba”. Autor del libro “Breve Inventario de Magia” y creador de JETO, en Killer Toons publica el relato de política ficción “Un Mundo sin rostro” y “una mosca en la sopa”
MOI: Dibujante y caricaturista, publicó sus historietas en “Totem el Cómix”, “Barzelona”, y en Fanzines como “Birux”, “Fanzipote”, “Actúa”, “Voz en Off”, “Snoid”. Formó parte del colectivo Tebeonautas e impartió clases en el taller de cómic del Ayuntamiento de Córdoba realizando también varios trabajos publicitarios para éste y alguna agencia de publicidad. Resultó premiado en varios concursos de humor gráfico entre ellos el concurso nacional JB JOVEN Y BRILLANTE. Participó en numerosas exposiciones y actualmente publica en KILLER TOONS y en los blogs de MUNDO PICHÓN. Sigue exponiendo sus trabajos de humor gráfico en cinco muestras simultáneamente entre España y Portugal.
El Juán Pérez: Ha participado activamente en multitud de publicaciones (“Voz en Off”, “Androito Ke-Ke”, “Fanzipote”, “Batracio Amarillo”). Autor de la monografía “Estampas Persas”. Ha colaborado durante varios años como humorista gráfico en periódicos como “Diario Córdoba” y “La Voz de Córdoba”. Creador del desquiciado detective Charly Chaparro en Killer Toons

Ediciones Canallas

EL TERCER ARQUITECTO

Título: MARVEL VISIONARIES. STEVE DITKO
Autor: STEVE DITKO Y OTROS
Editorial: MARVEL
Páginas: 340
PVP: 29,99 $

Aprovechando la ilusión que me hace escribir en pleno día del libro, he tomado de la estantería el último tebeo que me compré; no es novedad, pero está nuevecito, salió a la venta hace apenas unos años y, para más señas, está inédito en español. Lo escojo porque me gusta, porque al adquirirlo sentí la misma alegría que si me lo hubiesen regalado y porque el día festivo lo merece. Les hablo del tomo de la serie Marvel Visionaries dedicado al sin par Steve Ditko, seguramente mi autor favorito de todos los que han pasado por la antigua Casa de las Ideas, hoy filial de Disney.
Siguiendo la filosofía de la colección, el volumen se presenta como una panorámica del trabajo del creador gráfico de Spiderman y tiene una hechura casi impecable, con su tamaño grande, sus pastas duras, lomo redondeado y sobrecubierta plastificada en brillo. Pero editorialmente hablando ahí acaba la cosa, pues ni la encuadernación fresada, ni el espantoso coloreado interior, que nada tiene que ver con los sencillos y lindos tonos originales, están a la altura de las circunstancias. Por no hablar de la exigua introducción y las ridículas cinco páginas de extras, con grave errata incluida. Aunque bueno, es Marvel, ya sabemos cómo se las gasta o, mejor dicho, como se las ahorra. Con todo, no es este el humor que quiero transmitir hoy, ya lo dicho: estoy de fiesta. Y si he de ser sincero, aún si se tratase de un libro de páginas emborronadas, papel de estraza y texto cirílico, tratándose de Ditko, le guardaría un lugar preminente en mi colección. Soy lo que se dice un fanático.
Incluidas aquí hay un puñado de historias cortas de género fantástico publicadas a comienzos de la década de 1960 en cabeceras que más tarde engendrarían a algunos de los superhéroes de la casa: Strange Tales, Tales to Astonish y Amazing Adult Fantasy, colección esta última impulsada por Stan Lee precisamente para solaz exclusivo de Ditko. Las historietas en cuestión son tontas como ellas solas, pero el estilo del dibujante nunca pasa desapercibido. El meollo del libro son las páginas fechadas entre 1963 y 1966, especialmente, como todo aficionado sabe de sobra, las de Amazing Spider-Man y las protagonizadas por el Dr. Extraño en Strange Tales. Son de una plasticidad hermosa, seguramente no tan fluidas y espectaculares como las firmadas por Jack Kirby, pero no por ello menos seminales o valiosas. Ditko fue el tercer arquitecto de Marvel, junto con Lee y Kirby, y aportó contraluz al luminoso conjunto, extravagancia, fragilidad, marginalidad y un toque de psicodelia que ha dejado su rastro dentro y fuera del campo de los superhéroes.
El libro se completa con varios trabajos muy posteriores, bastante desangelados, pero simpáticos, y que poco tienen que ver con las personalísimas obras realizadas por Ditko lejos de las grandes compañías. Estas últimas, que desmienten la supuesta decadencia del artista y resultan imprescindibles para entender su evolución hacia la autoría, siguen esperando la oportunidad de ser traducidas al castellano. Yo, por mi parte, no pierdo la esperanza.

Javier Fernández

CHANDLER, SPILLANE, MILLER & CO.

Título: DAREDEVIL DE FRANK MILLER, 6
Autor: FRANK MILLER, KLAUS JANSON
Editorial: PANINI
Páginas: 184
PVP: 19,95 €

Pasa con la gripe que generalmente no le deja a uno ganas de hacer otra cosa que estar tumbado viendo la tele, lo cual, sin exagerar, tampoco es mala cosa de vez en cuando. Así que en esas estaba, estirado en el sofá, disfrutando del humor que producen unas decimillas inesperadas, cuando se me ocurrió que el gozo sería completo si en lugar de abandonarme a los telefilmes y sitcoms de medio pelo que amenazaban freír lo poco que me quedaba de cerebro buscaba en mi videoteca algo más acorde al momento. Y vaya si lo hallé: Kiss Me Deadly, la peli de Aldrich, lindo tipo donde los haya, el drama noir de Mike Hammer enfrentado a la guerra fría; ven, todo es cuestión de temperaturas.
El caso es que ahí me tienen, a la mañana siguiente, con ganas de pisar la calle en gabardina, pero sin gabardina en el armario y con el sol de justicia de la primavera mexicana, casi repuesto por obra y gracia del behemot atómico de la otra noche, cuando me decido por dar un pequeño paseo hasta una cercana librería de viejo, nativa donde las haya, esto es, sálvese quien pueda, miles de volúmenes apilados de forma desconcertante en media docena de habitaciones de un edificio sostenido, qué duda cabe, por esas mismas columnas de libros. Se me ocurre entonces que el regusto fílmico pide a gritos la lectura de alguna novelilla negra y me dirijo a un grupo de desocupados que se solaza en el patio central, sentados más allá de varias tablas elevadas en caballetes y rebosantes de títulos del Reader’s Digest. Mi pregunta, traducida al español de España y dirigida a nadie en particular –imposible saber cuál de ellos es el encargado–, es más o menos la que sigue: ¿Tienen ustedes algo de novela negra? La respuesta de boca de la única mujer de la reunión, muy resumida: No.
Pero no crean que soy de los que se desaniman fácilmente, total me cuesta imaginar que aquí los amigos se sepan de memoria el inventario y tengo el repentino feeling de que la palabra “novela” les ha hecho reparar por un instante en que todo ese papel que nos rodea tiene o tuvo forma y función. De modo que, acostumbrado como está uno a antros de este tipo, dejo que mis dedos se ensucien y se conduzcan por instinto entre lomos desvencijados y telarañas hasta que, ¡albricias!, caen en cascada tres: un Chandler y dos Spillane, toma ya, el primero con los filos pintados de negro y los otros, de amarillo, todos más o menos del año en que nací yo, la edición, se entiende. Luego, esto no lo puedo evitar ni aún queriendo, mis ojos reparan en un montoncito de tebeos, tamaño Novaro, de la editorial Vid, pero son sólo los dos de arriba, el resto es una pila de atrasados del National Geographic, edición de vaya usted a saber dónde, mi gozo en un pozo. La pareja reza en portada: Punisher: War Journal; con todo, los abro, más por costumbre que otra cosa, y resulta que lo de dentro son en realidad dos Daredevil de la primera etapa de Frank Miller. Ah, qué buenos tebeos, pienso, buenos de verdad. En total 45 pesos, no llega a tres euros.
Ya ven, lo que se dice un día de suerte.

Javier Fernández

LOS DEFENSORES, MADRE MÍA

Título: ESSENTIAL DEFENDERS VOL. 3
Autor: STEVE GERBER, SAL BUSCEMA Y OTROS.
Editorial: MARVEL
Páginas: 384
PVP: 16,99 $

El trabajo de Steve Gerber al frente de The Defenders es entretenido y refrescante, pero es además un magnífico ejemplo del malgastado potencial innato de Marvel. Los veintitantos episodios de Gerber escapan de la complacencia y la autorreferencialidad habituales, apostando por abrir y recorrer nuevas vías, mayormente inusitadas para la época -les recuerdo que fueron escritos en 1975 y 1976.
Citando al también guionista J. M. DeMatteis: “Steve Gerber rompió el molde. Tenía voz individual en un momento en el que la mayoría de los escritores de Marvel -incluso los mejores- enterraban su individualidad bajo la pátina de Stan Lee. Llegó al universo Marvel, echó un vistazo a las enormes estructuras erigidas por Lee, Jack Kirby y Steve Ditko, se inclinó en deferencia a este genio colectivo y luego comenzó a patearlas ferozmente y con regocijo”; y hablando del rey de Roma, les dejó aquí una cita del propio Lee: “Steve Gerber fue una de las rarezas más valiosas del conjunto de guionistas, un escritor extraordinario que rechazó seguir los caminos trillados. Sus conceptos eran salvajes, inusuales e intensamente originales”.
Apoyado en la fluidez narrativa de Sal Buscema -embellecido en el último tramo por Jim Mooney y luego por un magnífico Klaus Janson-, el conjunto de la aportación de Gerber a The Defenders tiene sentido de obra, cuyo tema principal gira en torno a la conciencia y responsabilidad individuales. Y desde este punto de vista la metáfora del superhéroe cobra aquí nueva vida. Kyle Richmond, alias Nighthawk, es uno de los personajes que más se “beneficia” del tratamiento del guionista. Richmond sirve primero a Gerber como elemento de reflexión acerca del mundo económicamente despreocupado de los superhéroes y la pobreza existente fuera de la viñetas y, más tarde, cuando descubre atónito que su riqueza ha estado financiando a un grupo terrorista de ideología xenófoba, el conflicto entra en el terreno psicológico cuando su cerebro es extirpado quirúrgicamente del cuerpo y el personaje se ve forzado a madurar acosado por el estrés y el desconcierto.
Este es el ejemplo más claro, pero no el único. También Valkyrie brilla en las manos de Gerber. Encandenada mágicamente a nuestro mundo y forzada a habitar el cuerpo de una tal Barbara Norris, la valquiria nórdica tiene que vérselas con el pasado y el entorno de Norris, pero también con el resto de una realidad mundana que le es ajena. Es impagable la escena en que salva a un bebé de los suburbios de ser devorado por una enorme rata y también lo es su arresto e ingreso en una prisión de mujeres por los destrozos en la propiedad privada ocasionados al enfrentarse con el supervillano de turno.
En definitiva, la violencia y la acción en The Defenders mide la temperatura social de una década convulsa, lo que, sumado al ritmo trepidante y la excelente prosa, sirven para firmar uno de los tebeos más interesantes de los surgidos desde el corazón de la industria del entretenimiento.

Javier Fernández

MADRE MÍA, LOS DEFENSORES

Título: ESSENTIAL DEFENDERS VOL. 2
Autor: STEVE GERBER, SAL BUSCEMA Y OTROS.
Editorial: MARVEL
Páginas: 384
PVP: 16,99 $

Compilados en blanco y negro para la presente generación de lectores en los volúmenes 2 y 3 de la colección Essential, la etapa de The Defenders escrita por Steve Gerber en 1975 y 1976 permanece como uno de los más respetados e influyentes logros del género de superhéroes de la década de los 70. Es un trabajo trepidante, cargado de situaciones bizarras, tramas y subtramas enlazadas que se desarrollan con paciencia, pulso y cierta sana dosis de improvisación, cosido como está todo el asunto por la escritura moderna y la óptica singular del creador de Howard the Duck.
A menudo se ha señalado estos tebeos prefiguran motivos y soluciones narrativas de autores tan celebrados como Grant Morrison, pero, en mi opinión, The Defenders es más que un mero precedente. Es cierto que durante la lectura uno capta el parentesco con la Doom Patrol o los New X-Men firmados posteriormente por Morrison -otro día les hablo de cómo el Animal Man de este último retomó cuestiones autorreferenciales de Man-Thing-, aunque no es menos cierto que la voz de Gerber tiene cualidades irrepetibles. El entorno de los sufridos personajes que pueblan The Defenders sirve al guionista para detallar una realidad social que, aún deformada por los códigos propios del género, poco o nada se distancia del mundo real. Organizaciones terroristas, jefes de Estado, indigentes y desplazados sociales de todo tipo comparten páginas con los supuestos héroes, y entre los diversos conflictos se cuentan el racismo, la irresponsabilidad empresarial, la violencia carcelaria, el divorcio, la pobreza, la demagogia política, la manipulación de los medios de comunicación, la especulación inmobiliaria y, en general, la estupidez humana.
La habitual dosis de extravagancia made in Gerber alcanza aquí un raro grado de refinamiento. El escritor bucea en los archivos de la editorial para fabricar una de las sociedades malvadas más delirante que se haya visto, los Headmen, integrada por un experto neurocirujano con el cerebro transplantado en el cuerpo de un gorila, un científico pusilánime de rostro grotesco y deformado a causa de sus experimentos en compresión celular y un brujo megalomaníaco cuya mente acaba confinada, entre otros lugares, en el cuerpo de un cervatillo. A tan selecta compañía se une Ruby Thursday, creación original de Gerber, con su esfera de plástico maleable por cabeza. No menos divertido es el tratamiento que el autor reserva a Nebulon, el monstruoso alienígena disfrazado de dios cósmico, que ahora da seminarios sobre control mental y los riesgos del libre albedrío. Y de tanto en tanto asoma un enigmático elfo con pistola.
Son sólo algunos aspectos de una obra brillante e inclasificable como pocas.

Javier Fernández

DE VUELTA A LAS ESTRELLAS

Título: DREADSTAR Nº 1
Autor: JIM STARLIN
Editorial: PLANETA DeAGOSTINI
Páginas: 384
PVP: 30 €

Lo mejor que se me ocurre decir al respecto es que Jim Starlin (Detroit, 1949) tuvo su época, y su época fue la década de 1970. Starlin se hizo un nombre aquellos años realizando un puñado de tebeos de culto, ya saben los del Capitán Marvel y los de Warlock, con una estética que entonces quedaba de lo más resultona, y que mezclaba con desparpajo algunos rasgos gráficos de Ditko con cierta ominosidad tipo Kirby.
Por entonces, su trabajo compartía consideración crítica, verán que ha llovido, con el de una camada de renovadores del lenguaje de los superhéroes que incluía al nunca suficientemente ponderado Howard Chaykin o a los también emergentes P. Craig Russell o Walter Simonson. Quiere decir esto que su estilo gustaba de proponer determinados experimentos visuales y que hacía gala de un ritmo, una composición de página y un acabado ciertamente singulares, aunque sin la capacidad o la conciencia creativa de los nombres más sobresalientes de la generación inmediatamente anterior, los Steranko, Adams y compañía. Debo añadir que encontrar la firma de Starlin en aquellos tebeos de superhéroes, por lo general mediocres, siempre le daba su chispita de emoción a la lectura, y quizá sea por ello que uno le guarda aún cariño al dibujante, a pesar de lo irregular de su producción posterior.
Esto que se reedita ahora, Dreadstar, bien puede ser la obra cumbre de Starlin, metido a principios de los 80 en tareas de autor, y es también la frontera entre sus trabajos más memorables y lo demás. Se trata de una space opera sencillita y colorida, inspirada sospechosamente en el sofisticado y poético universo de Cordwainer Smith, pero también resumen de las inquietudes narrativas del creador de La muerte del Capitán Marvel, con su poquito de catastrofismo, sus muertes y resurrecciones, su guerra intergaláctica de turno -entre la Monarquía y la Iglesia de la Instrumentalidad- y su grupo de cowboys espaciales, rebeldes con vocación altruista. No es para tirar cohetes, aunque comienza con un pulso envidiable que tarda algunos números en diluirse; no muchos, por desgracia.
Pero no me malinterpreten, Dreadstar tiene su aquel, sobre todo tomado desde el principio, quiero decir, si se le suma La Odisea de la Metamorfosis, el serial publicado por la revista Epic en donde hizo su primera aparición Vanth Dreadstar, así como las dos novelas gráficas anteriores al material que integra el presente tomo y que, crucemos los dedos, se anuncian para más adelante. Estas páginas ausentes, resumidas convenientemente a lo largo del volumen, poseen una cualidad visual superior al resto y confieren la elegancia, la sobriedad y el misterio iniciales, sustituidos posteriormente por giros ingeniosos, dislates y clichés, síntomas del prolongado agotamiento creativo de Starlin. Con todo, se lee con agrado.

Javier Fernández

LA EXTRAVAGANTE MARAVILLA

Título: STRANGE TALES
Autor: VARIOS AUTORES
Editorial: MARVEL
Páginas: 192
PVP: 29,99 $

Siguiendo la estela de Bizarro Comics y Bizarro World (editados en español en un solo volumen) que, les recuerdo, presentaban versiones indie del universo DC, Marvel se ha unido al reconocimiento de los llamados autores alternativos con la publicación de la miniserie de tres números Strange Tales, compilada ahora junto con algún material extra en un tomito de pasta dura, eso sí, en encuadernación fresada a pesar de lo elevado del precio.
Sin ser tan amplia como la otra, la propuesta de Marvel es variada y consistente; más estrecha, sí, pero también más atinada, pues los trabajos presentados aquí son mayormente excelentes. Como en los Bizarro, la estrategia seguida por los autores a la hora de interpretar la franquicia se decanta por la parodia y el humor, pero no siempre, y en el conjunto brillan piezas líricas como la sobresaliente versión de Hulk realizada por James Kochalka en The Hulk Vs. the Rain, el original y filosófico encuentro entre Nightcrawler y Molecule Man debido a Paul Hornschemeier o la hermosa revisión de Black Widow firmada por Matt Kindt, quien pide a gritos la oportunidad de disponer de mayor extensión para recrear el personaje .
En el lado satírico, Strange Tales cuenta con páginas soberbias de Peter Bagge, del que se incluyen sus dos aportaciones al universo marvelita, el número especial The Incorrigible Hulk, serializado en la miniserie, y su cáustico The Megalomaniacal Spiderman, acertadamente recuperado para la ocasión. Tony Millionaire se apoya en Gene Colan para trazar un Iron Man burlesco, Jeffrey Brown se suma a la fiesta con dos simpáticas páginas de The Fantastic Four, Nick Bertozzi dibuja las entradillas de los diversos números de la miniserie, protagonizadas por The Watcher, así como cuatro páginas que desvelan la vida sentimental de M.O.D.O.K. Detallo los anteriores a modo de gancho, pero el resto es también un lujo: Jason, Johnny Ryan, Dash Shaw, John Leavitt y Molly Crabapple, Stan Sakai, Paul Pope, Max Cannon, Michael Kupperman y un etcétera no menos interesante.
Al leer el volumen, la singularidad de cada aportación, la personalísima panoplia de estéticas, reforzadas por el contraste, trae a la mente del lector todos los valores que integraban el espíritu inicial de la Marvel de la década de 1960, antes de la imposición de una narratividad dominante y un discurso exitoso pero pobrísimo, cuando parecía que todo podía suceder en el siguiente número. Si la política continuista fosilizó por completo la creatividad de la otrora llamada Casa de las Ideas, ejemplos como este Strange Tales demuestran el camino para desactivar el daño: no interferir en el desarrollo de las ideas y la visión propia de los autores, confiar en su talento por encima de otras consideraciones.
Confieso que he disfrutado del experimento como un niño, no porque la lectura me haya retrotraído a mi propia infancia, sino porque, ante mis ojos, estos personajes gastados y maltratados hasta la saciedad han vuelto a mostrarse jóvenes y adorables.

Javier Fernández

ALIX EL INTREPIDO

Los amantes al comic Europeo estamos de enhorabuena, se reedita en nuestro país "Las Aventuras de Alix" la serie de Jacques Martin que narra las aventuras de Alix, un joven galo en la época de Julio Cesar.

Esta serie lleva años sin ser editada en nuestro país y lo hace ahora de la mano de alixintrepido.es, la web no oficial en español del personaje de Martin(http://www.alixintrepido.es/index.htm), que se ha liado la manta a la cabeza, y se ha decidido a producir una edición limitada de este clásico del comic, del que varias generaciones de aficionados españoles no han podido disfrutar hasta ahora.

Comunicado de alixintrepido.es:

El pasado mes de Noviembre se ha firmado un acuerdo con Casterman para la coproducción editorial de las Aventuras de Alix en castellano a través de NetCom2 Editorial de Barcelona.
Es posible que esta coproducción se haga extensiva a las aventuras de Lefranc y a otros héroes de Jacques Martin en el futuro. A partir de Marzo de 2010 saldrán a la venta, cada dos meses aproximadamente, dos o tres aventuras de Alix en castellano, hasta completar la colección (28 libros), además de los nuevos que tienen que aparecer en 2010, 2011 y 2012 que ya se están dibujando. En la primera entrega serán dos aventuras nunca editadas en español: Alix el Intrépido y La isla Maldita. Características:Se trata de una tirada limitada de 1.000 ejemplares numerados de cada título.El formato de los libros es: Cartoné (tapa dura) 22.6x30.3 cm.El precio final P.V.P. de cada libro es de 15,50 euros. Puntos de venta:Dada la pequeña tirada, la distribución será reducida.

Este mes de marzo ya están a la venta Alix el Intrépido y La Isla Maldita, la editorial tiene planeado lanzar 2 referencias cada dos meses, la próxima novedad sería en mayo y los títulos La esfinge de oro y Vercingetórix.

La distribución de esta colección es bastante peculiar ya que puede conseguirse solo por pedido directo a la editorial, o físicamente en algunas pocas librerías especializadas, actualmente el único punto de venta de esta colección en Andalucía es Crash Comics (C/ Duque de Fernán Núñez nº2, 14003 Córdoba), si quereis hacer vuestra reserva de esta fantástica serie no dudeis en pasar por nuestra tienda y solicitarlo.

Un cordial saludo
Crash Comics

http://www.alixintrepido.es/docs/notaprensa20091109alix.pdf

LAS COSAS CLARAS

Título: LET US BE PERFECTLY CLEAR
Autor: PAUL HORNSCHEMEIER
Editorial: FANTAGRAPHICS
Páginas: 136
PVP: 19,95 $

Mientras espero la oportunidad de leer All and Sundry. Uncollected Works 2004-2009, la recopilación de trabajos dispersos de Paul Hornschemeier (Cincinnati, 1977) editada a finales del año pasado por Fantagraphics, y también a la espera de la anunciada traducción por parte de Astiberri de La vida con el Sr. peligroso, para ir haciendo boca paso a comentarles el volumen Let Us Be Perfectly Clear, que llevaba ya algún tiempo en mi estantería.
El librito en cuestión compila y ordena historietas aparecidas entre 2002 y 2006 en revistas y publicaciones varias. Está dividido en dos secciones que comienzan con cada tapa y convergen en el centro: Let Us Be y Perfectly Clear, la segunda de las cuales posee tintes satíricos, en tanto la primera es vaporosamente dramática. Como en otras ocasiones, el diseño del asunto corre a cargo del propio Hornschemeier, quien siempre aporta a la confección un tono exquisito, heredero en parte de ese otro delicioso maniático que es Chris Ware. La comparación entre ambos creadores es un motivo recurrente a la hora de analizar la producción de Hornschemeier, aunque por mi parte soslayaré la cuestión, consciente de que, confluencias conceptuales aparte, hablamos de estéticas y poéticas de una singularidad sobresaliente.
Centrándonos en Hornschemeier, más allá de los motivos nihilistas o existencialistas que utiliza, conviene observar que el objetivo de su obra es epistemológico, pues rara es la ocasión en que no apunta a la naturaleza misma del conocimiento, lo que convierte a la gramatica de la historieta en su tema por excelencia. Su trabajo es intensivo antes que extensivo y presenta una amplia variedad de recursos: la elipsis, la conciencia de los límites y la materialidad física de la página, la doble cualidad del tiempo en la historieta, a la vez estático y dinámico, y alardea en cuestiones habitualmente secundarias como el color o la rotulación. Secciones como These Tresspasing Vehicles, imaginativo análisis de los elementos que rodean a un crimen pasional, muestran a un maestro de la deconstrucción y el montaje que disfruta torciendo y quebrando la linealidad. Ejercicios como Underneath o We Were Not Made For This World, la lucha por la supervivencia de dos seres animalescos en un entorno polar y el penoso avance de un robot por el desierto, respectivamente, son un ejemplo del gusto del autor por la metáfora. Y ya puestos a escoger una sola pieza, escogería Return of the Elephant, sobria en su sencillez de medios y su monotonía formal, dos viñetas por página en la versión original, cuatro en este volumen, que es un bizarro prodigio de resonancias y sugerencias.
Aún siendo anterior a títulos más celebrados como Madre, vuelve a casa y Las tres paradojas, Let Us Be Perfectly Clear confirma que Hornschemeier está a la cabeza de su generación, y su trabajo es uno de los mejores ejemplos de la inagotable vitalidad del medio.

Javier Fernández

EMPEZANDO UNA NUEVA VIDA

Título: GENTLEMAN JIM
Autor: RAYMOND BRIGGS
Editorial: ASTIBERRI
Páginas: 32
PVP: 12 €

Comienzo mi breve comentario del Gentleman Jim de Raymond Briggs saludando primero la extraordinaria labor que viene realizando Astiberri, empeñada como está en llenar la estantería de los lectores de buenos tebeos, cuidadosamente editados. Con apenas diez años de historia, la firma bilbaína posee ya un catálogo envidiable, cargado de obras significativas de la historieta reciente y en el que se alternan con rigor estético lo mejor de la producción internacional y nacional, toda una hazaña en los tiempos que corren. Hablamos mayormente de libros que trascienden los géneros, libros de autor, que son algo así como los pulmones del medio, un modo de oxigenar el imparable flujo de novedades.
Y tiene uno aquí mucho donde elegir: Paco Roca, Fermín Solís, David Rubín, Luis Durán, Lewis Trodheim, Craig Thompson, Jason Lutes, Frederik Peeters, entre el largo etcétera. Aunque, si me preguntan, les diré que de todos los nombres publicados por Astiberri, mi auténtica debilidad es Paul Hornschemeier, del que se anuncia nueva obra para 2010, la traducción de Life with Mr. Dangerous, el serial visto en las páginas Mome. (Por cierto, ya que La Cúpula parece haberse desentendido de la cabecera, ¿para cuándo una edición de Mome en Astiberri? Y puestos a pedir, ¿qué tal una traducción de los inéditos de Hornschemeier, y de Anders Nilsen?)
Pero centrémonos. El descubrimiento de la edición en nuestro idioma de Gentleman Jim ha sido uno de esos raros momentos de felicidad que sobrevienen inesperadamente. Les cuento que tomé el librito de la estantería sin posar apenas los ojos en él, temiendo que fuese a evaporarse entre mis dedos, y lo compré sin alboroto, ansiando desde ese mismo momento su lectura, a la que dediqué el momento de calma que se merece. Verán, para todos los que nos emocionamos en su día con Cuando el viento sopla, el británico Raymond Briggs es uno de esos nombres guardados celosamente en el recuerdo. Con una estética más cercana a los grandes libros de la literatura infantil que al propio arte de la historieta, y gracias a la cualidad orgánica de una línea sutil, una monótona composición de página que impone un ritmo suave a la historia, el rotulado manual y ligeramente desordenado, y la fantástica adición del inconfundible coloreado, Briggs es un maestro de la emoción.
Gentleman Jim fue publicada originalmente en 1980, dos años antes de Cuando el viento sopla, y ambos libros comparten matrimonio protagonista, Jim y Hilda. En la que nos ocupa, Briggs narra con un humor que nace directamente de la compasión, los deseos irrealizables de Jim, un limpiador de aseos que sueña con dejar su empleo y convertirse en soldado, artista o vaquero del lejano oeste. El resultado es un retrato honesto y enternecedor de la rutinaria existencia de una generación de personas sencillas, ancladas en un mundo que desaparece lentamente en la contemporaneidad. Una lectura hermosa y que se agradece. Una joya.

Javier Fernández

EL SENTIDO DE LA MARAVILLA

Título: Capitán Britania y el MI - 13: nº01 (Invasión Secreta) / Capitán Britania & MI-13 1-4 USA

Autor: Leonard Kirk, Scott Hanna, Jesse Delperdang

Editorial: Panini

Formato: Libro Rústica, 96 págs., color.

PVP: 5,95 €

Los tres ¿únicos? tomos que componen la cancelada serie del CAPITAN BRITANIA Y EL MI-13 son un retorno a la fantasía desbocada y exótica para Marvel, con un apropiado sentido evocador de la épica que toca los resortes justos en la narración para que la trama avance con progresivo interés desde la obligada INVASIÓN SECRETA que inundó todas las colecciones de la editorial americana, y sirve de punto de partida para la nueva formación del supergrupo británico, hasta la batalla final contra el imaginativo ejército lunar de Drácula, en una saga acertada y heredera de la añorada serie LA TUMBA DE DRÁCULA, donde brillan personajes poco vistos recientemente y retomados con ganas de aportarles garra, como Eric Brooks (alias Blade), del que casi todos habíamos olvidado su nacionalidad británica desde la popular trilogía cinematográfica con su nombre, de la que toma los mejores aspectos para distanciarse en lo que convenientemente necesita para revelarse como figura propia de cómic con un bagaje a tener en cuenta. O el propio rey de los vampiros, con el cariz de un carismático supervillano, lo que lo distingue para Marvel como “su” Drácula, ambicioso, inteligente y arcaicamente racista.
Todos ellos, desde el astuto Pete Wisdom al valeroso Capitán Britania, pasando por el Caballero Negro y su nuevo y peculiar escudero - portador en este caso de Excalibur -, entre otros, están perfectamente definidos y situados en el contexto de la aventura para sacarles el máximo partido, con humor, dramatismo y un ameno sentido tópico de lo británico a cargo de Paul Cornell, uno de los escritores de las nuevas temporadas (desde 2.005) de la teleserie inglesa DOCTOR WHO, con la que el cómic comparte el tono clásico a la par que refrescante, un envidiable retorno al sentido de la maravilla.

J.A.Santiago

BARRY SMITH, OTRA VEZ

Título: THE BARRY WINDSOR-SMITH ARCHIVES
Autor: ROY THOMAS (guión) y BARRY SMITH (dibujos) Editorial: DARK HORSE
Páginas: 272
PVP: 49,99 $

He aquí la enésima reedición de los tebeos de Conan the Barbarian dibujados por Barry Smith, primeros de la primera serie de historietas del célebre cimmerio creado por Robert E. Howard en la década de 1930. Me refiero al personaje, claro; los tebeos son de principios de los setenta. He perdido la cuenta de las veces que se han editado estos cómics en España: a color, en blanco y negro, en formato minúsculo, en formato gigante, con las viñetas redibujadas por los bordes, con recoloreado digital, en cuadernillo, encuadernados en tapa dura, en antologías... No me atrevería a afirmar que son los más reeditados de nuestra historia, pero... ¿lo son?
Y caray, los tebeos son interesantes aunque todo esto me parece un poco excesivo. Vean que cada nueva edición es distinta de la anterior, nuevas portadas, nuevo formato, algún que otro texto escrito ex profeso, no sé, cualquier cosa vale. A uno se le ocurre que podría confeccionarse una edición, digamos, definitiva e ir reimprimiéndola para las nuevas generaciones de lectores, pero claro en esto de los cómics ya se sabe, generalmente los compran los que ya los tenían, por aquello del coleccionismo. Así que, bueno, por lo menos que luzca distinto en la estantería, ¿no?
En fin, desahogos aparte, este nuevo volumen de Dark Horse tiene su encanto y su polémica. Pero mejor les refiero primero el contenido. Aquí están los primeros once números de la citada colección editada en su día por Marvel, todos ellos guionizados por Roy Thomas, el escritor que mejor ha entendido al personaje en el medio este de las viñetas y los bocadillos, y dibujados, también todos, por un imberbe Barry Smith que hacía aquí los primeros, bueno, más bien los segundos pinitos en el arte de la historieta. Y claro, al muchacho se le notan las espinillas. Faltan los números que se dicen más personales, que quedan emplazados para el segundo y último volumen de la antología, de próxima aparición, aunque, todo sea dicho, siempre he encontrado en estos un algo especial, un encanto propio que los reinvindica de por sí. De los once, cuatro adaptan textos originales de Conan y otros tres interpretan escritos de Howard. Todo muy libremente, se entiende, pero algo siempre queda. Por su parte, Barry va despegando número a número y, por rudimentaria que sea, su visión del personaje sigue siendo la más sofisticada, elegante y entrañable.
Lo de la polémica que les mencionaba tiene que ver con el anuncio por parte de Dark Horse de que se iban a utilizar los colores originales para esta edición, y esa sí hubiese sido, quizá, la edición soñada; pero no, a última hora echaron mano de la reinterpretación digital que ya figuraba en su catálogo. Una lástima. Pero les decía también que tiene su encanto, no el color sino la edición, con sus pastas de cuero y sus letras doradas hundidas en portada.
Eso sí, cuesta un ojo de la cara y no dudo de que ya tienen los tebeos en su colección, así que ¿a qué esperan para comprarlo? Queda bonito en la estantería.

Javier Fernández

CAMELOT DERRUIDO

Título: La Torre Oscura: Largo camino a casa

Edición original: The Dark Tower: The long road home

Autor: Peter David, Jae Lee y Richard Isanove.

Editorial: De Bolsillo

Formato: Libro rústica, 140 págs., color.

PVP: 14.95 €

Creí entrar en contacto con el particular universo de LA TORRE OSCURA a través de los cómics que Marvel (en España a través de PANINI) está editando en los últimos años a modo de precuela independiente de la obra literaria anterior de Stephen King.
Y así fue, pero no del todo. Conforme aumenta mi limitado conocimiento de Mundo Medio y su mitología multiversal, más evidentes se hacen sus reconocidas conexiones con gran parte de las populares novelas del prolífico escritor de Maine. Estos cruces de caminos en sus obras - a veces anecdóticos, otras puede que fundamentales - se hacen evidentes cuando personajes como Marten Broadcloak (el hechicero de LA TORRE OSCURA) se deja ver en distintos cuentos - como APOCALIPSIS - con alguno de sus otros nombres o aspectos, fuera de los márgenes de Mundo Medio.
Quizás como yo no hayáis leído muchos libros de la extensa bibliografía que King ha realizado a lo largo de varias décadas, pero os sonaran muchos de sus personajes y situaciones comunes sugeridas al menos ( y con variable acierto) en las múltiples adaptaciones cinematográficas y televisivas de sus historias. Ahondando un poquito en las miniseries de LA TORRE OSCURA - el cómic que nos ocupa - , y en los extras ilustrativos a modo de complemento que contiene su edición en grapa (hay otra más escueta en manejables tomitos) se paladea una porción importante de esa dimensión metafísica de oscuras cosmogonías que suelen asomarse de soslayo en reconocibles elementos de sus fantasías (el personaje de turno dotado con la videncia, llámese “resplandor“, “toque” o como se prefiera, que le permite vislumbrar una realidad algo diferente, plagada en ocasiones de terrores cósmicos y aspectos oníricos, por ejemplo), y se aporta mayor justificación y coherencia a aspectos concretos de ese “otro” plano que a menudo comprensiblemente chirrían en los films inspirados en sus novelas (la araña sobrenatural de IT, como muestra) o son parte básica de la trama como un eco emancipado de la melodía principal de LA TORRE OSCURA (valga esa monstruosa dimensión paralela que se comunica con la nuestra en LA NIEBLA) y que da una sensación de universo de ficción cohesionado, aunque no sincronizado, en tan dilatada trayectoria y variadas adaptaciones en diferentes medios.
A esta gruta de peculiares dioses ascentrales, y contemporáneos al tiempo, hay que cogerle el punto para disfrutarla, y en los cómics sobre el joven pistolero de Gilead (Roland Deschain, protagonista de la saga literaria de LA TORRE OSCURA), hay destellos del moderno Mark Twain que se ha asomado en ocasiones a obras como CUENTA CONMIGO, CADENA PERPETUA o CORAZONES EN LA ATLÁNTIDA, embutido en un western artúrico y trágico donde cabe la ciencia ficción, el melodrama y el horror, quizás descrito con tan siniestra belleza como compasiva distancia hacia los personajes en sus ilustraciones.

J.A. Santiago

SANGRE, SUDOR Y TINTA

Título: WAR STORIES. A GRAPHIC HISTORY
Autor: MIKE CONROY
Editorial: HARPER COLLINS
Páginas: 192
PVP: 24,99 $

Casualidad o no, con esto del auge de la novela gráfica la bibliografía sobre tebeos ha crecido de lo lindo, para gozo y solaz del que suscribe -no esperen un dato erudito al respecto, fíense de la impresión de un perro viejo-: proliferan biografías, monografías, publicaciones sesudas y pasquines encuadernados, repasos generales a la historia del medio o repasos parciales como el que les comentaré a continuación, este bonito pero escueto análisis ilustrado que reseña -parcialmente, todo hay que decirlo- el devenir del género bélico en viñetas, fértil donde los haya.
Y donde digo parcial quiero decir incompleto, como era de prever. Está firmado por Mike Conroy, el fundador de los premios Eagle, y la contraportada reza: “Desde que existen los comic books ha habido tebeos de guerra. War Stories: A Graphic History es el primer libro que examina este género en profundidad”, lo cual, habida cuenta del contenido, resulta pelín exagerado. El libro retrata una pila de tebeos estadounidenses y británicos, y poco más. Vienen un par de ejemplos del resto del orbe, eso sí, extraordinarios: C'Etait la Guerre des Tranches, de Jacques Tardi, y Hadashi no Gen, de Keiji Nakazawa. Puestos a elegir al tuntún, qué duda cabe que Conroy tiene buen gusto.
El asunto está articulado en siete capítulos, el primero de los cuales, Historical Hostilities, se ventila los miles de años de historia que preceden a los primeros conflictos estadounidenses, indios, colonos, sureños, yankis y demás, qué les voy a contar que no sepan ustedes ya de memoria. Luego vienen las dos guerras mundiales -a la segunda se le dedican dos epígrafes, uno desde la perspectiva gringa y otro desde la británica-, la guerra de Corea y Vietnam -ambas al alimón- y la cosa acaba con el comentario a los Modern Day Conflicts, esto es, el 11-S, Bagdad, Sarajevo y algún que otro marrón protagonizado por los entrañables adictos al te o a la coca-cola de vainilla. Pero centrémonos, ya les dije que el libro era bonito.
Y lo es precisamente por la sobresaliente nómina de autores anglosajones que, a lo largo de las décadas, han retratado esa fijación tan nuestra por reventar al contrario. Reed Crandall, Jack Jackson, John Severin, Joe Kubert, Harvey Kurtzman, Will Eisner, Jack Kirby, Jack Davis y Russ Heath son sólo un puñado de la portentosa legión de historietistas -no va con segundas- incluidos aquí; tantos, que cuesta trabajo escoger diez nombres a modo de ejemplo. Ahí iban nueve, el décimo hubiera sido Milton Caniff si Conroy no se hubiese olvidado de él. Una lástima. A cambio vienen tres maravillosas páginas de nuestro Raúlo Cáceres justo enfrente de una muestra del trabajo de Wally Wood. Sólo por eso merece la pena la libro. Bueno, a ver, no sólo por eso, no vayan a pensar que lo de Conroy es un tributo a la estupidez humana, es un homenaje al inagotable talento de los que la transformaron en narración gráfica y entretenimiento. En arte, vaya.

Javier Fernández

UN VIAJE HACIA LA EXCELENCIA

Título: LA EXTRAÑA HISTORIA DE LA ISLA PANORAMA
Autor: SUEHIRO MARUO
Editorial: GLÉNAT
Páginas: 280
PVP: 15 €

Evidentemente todo depende de lo que uno le pida al arte. ¿Deleite, divertimento, reflexión, asombro, disgusto, nada de esto, todo a la vez? Porque el arte, incluso uno popular como es el cómic -el manga si nos ponemos picajosos-, es un juego comunicativo lleno de posibilidades. Y ya ven, en el mejor de los casos, la historieta ha sido considerada tradicionalmente como una hermana pequeña de la literatura. Se diría que una hermana subnormal, a tenor de tantas y tantas críticas despreciativas y condescendientes. Pero dejemos esto claro, el tebeo es el medio, no el contenido; no se debería juzgar lo uno por lo otro, ¿sí? Listo, dejemos el climate y pasemos a Maruo.
¿Como lo diré? O mejor, ¿han leído ustedes a Maruo? Si la respuesta es afirmativa, no necesitan mi comentario. Si no lo han leído, deben saber que hay un chorro de obras de Suehiro Maruo (Nagasaki, 1956) traducidas a nuestro idioma, hasta diez, si no me fallan las cuentas. Y todas ellas son extraordinarias. Incluyendo lo más suave de su producción, el Gichi Gichi Kid, tierno homenaje a Tezuka, el Dr. Inugami o las dos partes de La sonrisa del vampiro, teatrillos macabros para adolescentes. Aunque no les recomendaría que empezasen por ahí. Tampoco por La extraña historia de la isla Panorama, si es que realmente quieren comprender la estética de Maruo. Lo más sano es leer El monstruo de color de rosa o Lunatic Lover's (todo lo dicho está editado por Glénat), y ya que hayan quedado hipnotizados por el universo crudamente honesto del autor, esa deconstrucción transgresora, violenta y pornográfica de los estereotipos del género romántico, pueden buscar los dos tomitos publicados por Otakuland, DDT y New National Kid, que muestran trabajos anteriores, menos finos pero igualmente rabiosos, e ir intercalando los otros al gusto de cada uno. Claro que no sería justo por mi parte obviar el hecho de que Maruo puede literalmente herirles la sensibilidad. No digan que no van avisados.
Luego que hayan disfrutado del viaje, les queda Midori, de nuevo en Glénat, que es una de las cimas de la historieta universal, un álbum singular, el reverso de todos los cuentos infantiles, bellísimo y despiadado a partes iguales. Lo recomiendo de postre, con la digestión de lo anterior bien asentada, para disfrutarlo como se merece. Y si sólo se deciden por uno, pues sí, Midori es el título. Ah, pero no, no me he explicado del todo bien, me está saliendo una lista de la compra de lo más enrevesada. La extraña historia de la isla Panorama va después de Midori. Unos días después, digamos. Descubrirán otro Maruo, delicado, sofisticado, preciosista, que persigue la excelencia y encuentra en la novela utópico-policíaca de Ranpo Edogawa un vehículo para desarrollar su obsesión por la hermosura y el detalle, dejando de lado la escatología expresa, la truculencia, y centrándose en inventariar la amoralidad invisible que subyace a un paraíso artificial de resonancias artísticas. ¿Les dije que había un montón de tebeos de Maruo traducidos al español? Mentí. Son pocos, son pocos...

Javier Fernández

UN POCO DE TRISTEZA EN LA VOZ

Título: DR. FATE: COUNTDOWN TO MYSTERY
Autor: STEVE GERBER (guión), JUSTINIANO (dibujo) y otros.
Editorial: DC COMICS
Páginas: 160
PVP: 17,99 $

Pues no, hoy no voy a comenzar la primera lista de los mejores cómics de... como les anuncié la semana pasada; veremos si hay más suerte la que viene. El motivo no es otro que este Dr. Fate: Countdown to Mystery, el último trabajo de Steve Gerber. Y cuando digo el último trabajo de Gerber, no me refiero a su obra más reciente, que también, sino al que, por desgracia, es su tebeo último, porque, como no escapa a la mayoría de los que leen esto, el creador de Omega the Unknown, Void Indigo, Nevada y Hard Time falleció el pasado 10 de febrero de 2008, a causa de complicaciones relacionadas con una fibrosis pulmonar.
Sabrán también, y si no para eso estamos, que de los ocho números que componen la citada miniserie programada como reescritura y actualización del Dr. Fate, el mago del yelmo amarillo que comparte universo con Superman y Batman, seis fueron escritos por Gerber, quien apenas tuvo tiempo de abocetar también el séptimo, firmado al fin por su colaborador Adam Beechem, y que el octavo, a falta de más material, fue concluido por cuatro guionistas invitados por la editorial, todos amigos del difunto: el propio Beechem, Mark Evanier, Mark Waid y Gail Simone. Cada uno de ellos propone un cierre a la manera de Gerber –es obvio que nunca conoceremos la conclusión definitiva–, y el conjunto acaba siendo un sentido homenaje al guionista. No me entretendré mucho en el experimento. Sería injusto decir que los resultados no están a la altura porque el objetivo es bonito, y eso es lo que cuenta. Con todo, señalaré que son emotivos, sinceros y expresan claramente un hecho: Gerber ya no está entre nosotros. Cuatro voces juntas no bastan para sustituir la suya.
Porque Gerber, en mi opinión, fue el mejor escritor de superhéroes de la historia. ¿Creen que exagero? Bueno, quizá no lo han leído, o no lo han leído lo suficiente, o ya hace mucho que lo leyeron. O quizá sí que exagero, no sé. Supongo que habrá quien prefiera a Morrison o a Moore, o incluso a Lee o, qué digo yo, a Miller. Por mí vale. Pienso que estos cuatro juntos tampoco hacen un Gerber. Pero dejémoslo estar, ya he dicho que es mi opinión; el arte es subjetivo. Como escribe Gail Simone: “Las historias de Steve dijeron: está bien ser raro. Abraza la diferencia. Ignora las expectativas. Lucha cuando te toque, ríete de la adversidad. La perfección es aburrida y está sobrevalorada, y el heroísmo casi nunca tiene que ver con pegar a la gente. Algunas veces el heroísmo trata sólo de estar vivo cuando estar vivo parece jodidamente imposible”.
Quizá Countdown to Mystery no sea el mejor trabajo de su autor, pero es electrizante; tiene una prosa viva e inesperada, un ritmo sobresaliente y contiene muchos de los elementos que se acaban de citar. Aun estando inconcluso, es un digno final a una carrera oblicua y singular; o mejor dicho, la ausencia misma de final es puro Gerber. ¿De qué va el tebeo? Créanme, tratándose del creador del pato Howard poco importa.

Javier Fernández